La frontera entre kogei y diseño

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¿Cuál es la diferencia entre artesanía y diseño? El 21st Century Museum of Contemporary Art de Kanazawa (Japón) acoge hasta el 20 de marzo una exposición que plantea y cuestiona esta división, enmarcada en la particular relación que se establece entre alta cultura y cultura popular en la sociedad japonesa. Comisariada por el diseñador Naoto FukasawaThe Boundary Between Kogei and Design explora estos conceptos con una original puesta en escena que divide los espacios expositivos en dos partes (una para Kogei y otra para diseño) en las que diferentes objetos son cuidadosamente colocados en relación a su proximidad al diseño o la artesanía. Pese a marcar claramente una separación (que se hace visible en una línea que recorre la sala) Fukasawa afirma que dicha frontera es más bien difusa:

“Es difícil trazar una línea y decir «esto es Kogei y esto es diseño.» Puede ser más sencillo afirmar «esto es 20% Kogei y 80% diseño.» Aún así, tiene sentido provocar al visitante presentando esta ambigüedad. Como forma de presentación, la exposición adopta una postura de confrontación entre «Kogei» y «diseño».”

Cabe tener en cuenta la particular consideración que tiene la artesanía en Japón, en especial a raíz de la fundación del movimiento Mingei en 1927 por parte del filósofo Sōetsu Yanagi (1889-1961). En un planteamiento similar al del movimiento Arts and Crafts y concretamente de las ideas de William Morris, Yanagi afirmaba que los objetos de uso común creados por artesanos son objetos de arte, elevando así la apreciación hacia las cualidades estéticas y la calidad de la producción de productos cotidianos de cerámica, textiles y madera. Su hijo, el diseñador industrial Sōri Yanagi (1915–2011) marcó una profunda influencia en el diseño japonés de la segunda mitad del siglo XX y su atención hacia la simplicidad de formas y la practicidad de los productos de la artesanía tradicional japonesa. En este sentido, la interrelación de Kogei y diseño es más profunda de lo que suele darse en el desarrollo del diseño industrial en los países occidentales, y por tanto la separación propuesta (y a la vez relativizada) por Fukasawa resulta especialmente interesante.


Bol Kogei

El diseñador estructura la exposición en torno a cinco ejes temáticos. En primer lugar, proceso y material explora la atención a las propiedades de los materiales por parte de los artistas Kogei, que extraen de sus cualidades la motivación para crear la forma final. Por tanto, el proceso de producción y el propio diseño atienden al carácter y las propiedades físicas del material con el que se trabaja. En este sentido, el molde o plantilla es un elemento esencial en la producción en serie, que no obstante desaparece (como elemento físico) en la producción digital (impresión 3D, corte láser, fresado CNC), siendo sustituido por una serie de instrucciones que la máquina puede ejecutar con precision. En relación a este último aspecto, el segundo tema de la exposición, mano y máquina, apunta a la manera en que la producción industrial empezó imitando la producción manual (Kogei), hasta el punto de sustituirla y llevar a que, en opinión de Fukasawa, “la gente haya olvidado cómo se hacen las cosas.” El tercer tema es la forma, fundamental en la manera en que se presentan las piezas puesto que es lo que marca, según el comisario y diseñador, los híbridos “diseño con apariencia Kogei” y “Kogei con apariencia de diseño.” El primero es el diseño artesanal que se adapta a un entorno industrializado y busca una armonía con otros diseños. El segundo es que el emplea técnicas de producción industrial que se completan con un acabado realizado a mano, como se puede ver en numerosos diseños de Sōri Yanagi.


Butterfly Stool, Sori Yanagi

 

Los dos últimos temas de la exposición exploran la manera en que tanto la obsolescencia como la innovación, y el paso del tiempo en general, afectan a la diferenciación entre Kogei y diseño. El cuarto tema propuesto por Fukasawa es el paso del tiempo y la manera en que éste modifica nuestra percepción de los objetos, además de incorporar los evidentes cambios en el propio aspecto del producto, que pierde su brillo inicial y muestra las marcas de su uso y el deterioro de los materiales. En este sentido, el diseñador pone como ejemplos los productos de la marca BRAUN, cuya estética funcional parecía fría y poco humana pero que con el paso del tiempo se ha hecho cálida y ha generado en los usuarios una cierta durabilidad emocional. “El tiempo convierte el diseño en Kogei,” afirma Fukasawa. Por último, la exposición induce a reflexionar sobre la frontera entre Kogei y diseño en el contexto actual, señalando que la precisión del trabajo manual nunca puede igualar la que conseguirá una máquina, particularmente en el contexto actual, en que las tecnologías digitales permiten idear el objeto en 3D y producirlo con total fiabilidad. A esta eficiencia de la máquina se opone el renovado interés por la imperfección, ya sea en los productos de madera que incluyen nudos (antes descartados de un buen producto, pero que ahora marcan la diferencia con la madera falsa) o en los objetos que muestran pequeñas irregularidades e imperfecciones, fruto de una evidente (o supuesta) producción manual.

Tanto en su planteamiento teórico como en el diseño de los espacios, The Boundary Between Kogei and Design sugiere una interesante reflexión sobre el papel del diseño en la cultura actual y su relación con los nuevos métodos de producción asistidos por ordenador que va más allá del contexto japonés. Pensar en Kogei y su relación con el diseño es también pensar hacia dónde puede dirigirse el diseño ahora que puede desvincularse de toda tradición artesanal y se encuentra reiteradamente en la posición de crear objetos que no han existido antes.

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Foto: kioku keizo, 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa (via designboom)