Noto, la tipografía universal

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Uno de los efectos de la globalización es la imposición de referencias culturales, marcas y otros elementos en las sociedades de prácticamente todos los países industrializados del planeta: las mismas empresas distribuyen sus productos y a menudo popularizan una comunicación en inglés, que a menudo margina o resta importancia a otros idiomas. En los sistemas informáticos, la falta de atención a los idiomas menos hablados y escritos y sus respectivos alfabetos o caracteres se traduce en lo que popularmente se conoce como “tofu”, un rectángulo que sustituye a la grafía que el ordenador no puede reproducir. En busca de una solución a este problema, el departamento de internacionalización de Google, dirigido por Bob Jung, ha desarrollado Noto, una familia tipográfica que permite escribir en 800 idiomas empleando un centenar de alfabetos diferentes.

Habitualmente se cree que el problema de la internacionalización está resuelto gracias a Unicode, el consorcio que mantiene los estándares de internacionalización en todo tipo de software y permite emplear la mayoría de los ordenadores o visualizar sitios web en los idiomas más empleados en el mundo, ya sea el inglés, hindi, chino mandarín o ruso. No obstante, muchos idiomas no contaban hasta ahora con una tipografía adaptada al conjunto de signos en los que se expresan. A esto se suma que, a menudo, para diseñar su comunicación las empresas emplean diferentes tipografías adaptadas a diferentes idiomas, lo cual crea una confusión mayor, al no existir una relación entre ellas. Para ello, el equipo que ha creado Noto dedicó especial atención a encontrar un cierto equilibrio entre los diferentes idiomas y otorgarles, en la medida de lo posible, una cierta uniformidad o familiaridad.

Si bien puede resultar más funcional que atractiva, Noto sin duda constituye un esfuerzo considerable en la atención a los diferentes idiomas del planeta y se alinea con los principios del diseño universal o inclusivo. Google ofrece en descarga gratuita las familias tipográficas de Noto por medio de una útil interfaz que muestra en cada caso ejemplos de la tipografía (con sus variables), el número de idiomas y regiones a los que se aplica, y un mapa en el que situarlas. La tipografía también incluye dos familias de emojis, los populares iconos que, con frecuencia cada vez mayor, sustituyen a la propia palabra escrita.

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Vienna Design Week

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Hoy empieza VIENNA DESIGN WEEK, el mayor festival de diseño de Austria, que celebra este año su 10ª edición con eventos y exposiciones en distintos espacios de Viena. Comisariado por Lilli Hollein, el festival se presenta bajo la premisa de que “el diseño es algo más que un objeto diseñado, el diseño es una parte esencial de la producción cultural: da forma a nuestra cultura material, nuestra cotidianidad y nuestro mundo como consumidores. Al mismo tiempo, influye en nuestro modo de vida y de manera fundamental en nuestros juicios estéticos.” Con más de 150 eventos, Vienna Design Week reúne muestras de diseño todo tipo (de producto, muebles, industrial, experimental, social), charlas y numerosas actividades.

Este año, el festival acoge a la República Checa como país invitado y dedica especial atención en su sección Focus District al distrito de Margareten en Viena, donde Lili Hollein,  Tulga Beyerle y Thomas Geisler iniciaron en 2007 esta cita internacional de diseño. El festival amplía su alcance en 2016 con una exposición en el Austrian Cultural Forum en Nueva York y una aportación al Austria Design Net en la Bienal de Diseño de Londres y sigue premiando los mejores diseños con un premio de diseño experimental y la Swarovski Design Medal, que se otorgará por primera vez a un diseñador austríaco por su trabajo en los últimos diez años. El festival también apuesta por los proyectos educativos y por poner en contacto la incubadora de start-ups de la University of Applied Sciences en Hagenberg con la escena profesional de diseño.

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El programa del festival se extiende hasta el 9 de octubre e incluye una gran variedad de exposiciones y actividades, entre las que destacan las siguientes:

FREDERICK KIESLER. LIFE VISIONS
El MAK acoge una muestra sobre el trabajo del artista Frederick Kiesler (1890–1965), que ha inspirado a numerosos arquitectos, diseñadores, escenógrafos, artistas y productores de cine.

INVENTUR: ADOLF KRISCHANITZ
MAM Mario Mauroner Contemporary Art muestra una selección de diseños de interior realizados a lo largo de 30 años por el arquitecto Adolf Krischanitz en forma de dibujos originales, plantas, objetos y fotos, junto con el primer catálogo razonado de sus diseños de mobiliario.

KINETOMANICS
Muestra de las piezas cinéticas de Departamento de Diseño Tridimensional de la Technische Universität Wien, en la que se presenta una síntesis de mecánica, electrónica y software, desde la impresión 3D a la biónica y los sistemas automatizados.

LIFE ON MARS: FICTIONAL FILM SETS
Una exposición que muestra cómo los estudiantes de interiorismo de la New Design University imaginan la vida en Marte, a través de escenarios a escala real creados con materiales sencillos.

MAKING HEIMAT – HOW TO GO ON AFTER REFUGEE ARCHITECTURE?
En esta charla se presenta la aportación alemana a la Bienal de Venecia de Arquitectura, que se centró en el impacto de la crisis de los refugiados. El pabellón mostró una serie de proyectos para acoger refugiados y propuso ocho principios para una “ciudad de acogida”. No obstante, la cuestión es ¿qué hacer después?¿Cómo se desarrolla la ciudad después de acoger a los refugiados? Oliver Elser, comisario del Deutsches Architekturmuseum in Frankfurt, reflexiona sobre este reto.

THE URBANIZATION OF EVERYTHING
Urban Think-Tank, un estudio de diseño interdisciplinario, presenta esta charla en la que se reflexionará acerca de la calidad de vida en las ciudades y los modelos de desarrollo urbanístico frente a la creciente insularidad de los ciudadanos en ghettos que establecen diferencias sociales y privilegios. El estudio de diseño mostrará algunos de sus proyectos para desarrollar soluciones al urbanismo actual.

La décima edición del festival, que se completa con un voluminoso catálogo, prosigue su objetivo de situar a Viena como “ciudad del diseño” en el panorama internacional.

Rijksstudio Award: crea tu diseño con una obra de arte

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En 2013, mientras preparaba su inauguración tras un período de reformas, el Rijksmuseum de Amsterdam lanzó Rijksstudio, una plataforma online que incluye 125.000 obras de su colección de arte e invita a los usuarios a verlas con detalle, estudiarlas y descargar imágenes en alta resolución con las que pueden crear sus propios diseños con total libertad y sin derechos de autor (las imágenes pueden usarse libremente para fines privados o comerciales). Para dar mayor visibilidad a esta original iniciativa, el museo invitó a artistas, diseñadores y arquitectos a emplear una obra de la colección en uno de sus trabajos. Según afirma Peter Gorgels en un ensayo presentado en la conferencia Museums and the Web en 2013, Rijksstudio se creó con el objetivo de “anclar la posición del Rijksmuseum en el nuevo mundo de la cultura de la imagen digital y el diseño abierto.”

Tres años más tarde, Rijksstudio cuenta con más de 260.000 usuarios que han descargado más de 1.500.000 imágenes y han creado 200.000 colecciones. En 2014, el Rijksmuseum organizó el primer concurso de diseño vinculado a esta plataforma, que bautizó como Rijksstudio Award. La segunda edición en 2015 atrajo un total de 892 propuestas, y ahora se lanza la tercera edición, en la que cualquiera puede participar enviando su creación (ya sea diseño, artes decorativas, moda, fotografía, vídeo, etc.) del 13 de septiembre de 2016 al 15 de enero de 2017. El premio será escogido por un jurado de expertos formado por Irma Boom, Directora de Irma Boom Office; Tony Chambers, Editor Jefe de Wallpaper; Ingrid Chou, Directora Creativa Asociada, The Museum of Modern Art; Taco Dibbits, Director General del Rijksmuseum (Presidente del Jurado); Ute Thon, Editor Jefe de ART – Das Kunstmagazin; y Thomas Widdershoven, Director Creativo de the Design Academy, Eindhoven.
El Rijksstudio Award consiste en un primer premio de 10.000€, un segundo premio de 2.500€ y un tercero de 1.500€. A estos se suma un premio de público de 1.000€. Los proyectos finalistas se expondrán en una de las galerías del museo tras el fallo del jurado el 21 de abril de 2017.

Más información

Bienal de Diseño en Londres

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Del 7 al 27 de septiembre tendrá lugar la primera edición de la London Design Biennale , un encuentro global de diseño con la participación de representantes de 30 países de seis continentes, que presentarán trabajos realizados bajo el tema común Utopía a través del diseño, en referencia al 500 aniversario de la publicación de Utopía (1516), de Tomás Moro. Los principales museos de diseño y organizaciones del panorama internacional se darán cita en Somerset House para explorar las tendencias actuales en diseño vinculadas a cuestiones tales como la sostenibilidad, migración, polución, energía, espacio urbano e igualdad social en exposiciones y conferencias. Entre los participantes figuran: Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum (EE.UU.), DAMnº Magazine (Bélgica), German Design Council, the MAK and Austria Design Net, Moscow Design Museum (Rusia), Triennale Design Museum (Italia), India Design Forum, Southern Guild (Sudáfrica), The Japan Foundation, y el Victoria and Albert Museum (Reino Unido). Arquitectos, diseñadores, científicos, escritores y artistas compartirán sus visiones de un mundo mejor a través del diseño.

 

Opps Room - original photo of cybersyn’s operation room. Photo - Gui Bonsiepe

Entre los proyectos participantes cabe destacar propuestas particularmente interesantes, como la instalación Plastic Effects del diseñador Brodie Neill (Australia), que trata acerca de los 5 trillones de objetos de plástico que cubren los océanos del planeta y llegan a la costa australiana; el proyecto EUtopia de Benoît van Innis (Bélgica), que propone un nuevo mapa de Europa a partir de la lectura del texto de Tomás Moro; The Counterculture Room, una recreación del proyecto Cybersyn que llevó a cabo el gobierno de Salvador Allende en Chile en los años 70 con la intención de mejorar la capacidad de los ministros para tomar decisiones por medio de una central de datos en tiempo real que se presenta en una instalación comisariada por Andrés Briceño Gutierrez y Tomás Vivanco Larraín, diseñada por FabLab Santiago; o también AIDrop de Yaniv Kadosh (Israel), un sistema para distribuir paquetes de primeros auxilios de 3kg en zonas afectadas por desastres naturales por medio de unidades que rotan por sí mismas y pueden cubrir amplias zonas a las que no es posible llegar por carretera.

En el programa de conferencias, las participaciones de profesionales de diferentes países contribuyen a crear una visión global de los retos a los que se enfrenta el diseño de sistemas, objetos y núcleos urbanos en el siglo XXI. El comisario Xiaodu Liu discutirá acerca del rápido crecimiento de Shenzhen (China), una ciudad que ha pasado de tener 300.000 a 17 millones de habitantes en tres décadas y se plantea ahora su futuro ante la realidad de su altísima densidad de población y las necesidades que esta genera. Paola Antonelli, Senior Curator del Departamento de Arquitectura y Diseño del MoMA en Nueva York, además de directora del Departamento de Investigación y Desarrollo del museo, reflexionará acerca del diseño del futuro en una charla titulada “Are We There, Yet? A Road Trip through Utopia”Onny Eikhaug y Rama Gheerawo presentarán la participación de Noruega en la Bienal, titulada Inclusive Design in Practice, que se centra en las estrategias para crear un mundo mejor por medio de diseños que facilitan la integración social. Dejan Mitrovic hablará de su empresa Kidesign, una startup especializada en juegos y juguetes que enseñana a los niños diseño, tecnología e innovación. El historiador y urbanista Leo Hollis planteará los problemas y las posibles soluciones al urbanismo actual, proponiendo un urbanismo social que no sólo transforma los espacios públicos, sino también cómo interactuamos con ellos y entre nosotros. Estas y otras conferencias configuran la parte de la Bienal más centrada en las ideas, que se extiende a lo largo de veinte días.

Las entradas para acceder a las exposiciones y conferencias de la bienal ya están disponibles. En este enlace se pueden seguir las noticias más recientes del evento.

Tecnología, arte y diseño por otros medios

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La próxima semana tendrá lugar en Barcelona la Conferencia 4s/EASST, un encuentro organizado conjuntamente por la Society for Social Studies of Science (4S) y la European Association for the Study of Science and Technology (EASST), con el apoyo de la Universitat Oberta de Catalunya (UOC) y la Universitat Autònoma de Barcelona (UAB), que se propone explorar las maneras alternativas en que se está desarrollando la innovación en ciencia y tecnología. Actualmente, nuevas iniciativas que escapan a los ámbitos establecidos de la investigación científica y tecnológica, tales como proyectos basados en la colaboración entre personas de diferentes disciplinas y comunidades, open science, comunidades maker o plataformas ciudadanas, establecen “otros medios” de integrar estas disciplinas en la sociedad, que a la vez responden a inquietudes y necesidades diferentes. Estas iniciativas tienen lugar habitualmente en espacios de la vida cotidiana (en vez de en laboratorios de empresas y centros de investigación) y se organizan por medio de estructuras de trabajo en red con una distribución de roles que cuestiona las jerarquías tradicionales de la ciencia y la tecnología, abriendo además los procesos a la participación del público.

En el contexto de este simposio internacional, la Cátedra Telefónica-UOC de Diseño y Creación Multimedia y el Museu del Disseny de Barcelona organizan la sesión Arte y Diseño por Otros Medios, que tendrá lugar el 31 de agosto de 10 a 14h en el museo, en colaboración con STS-b Barcelona Science and Technology Studies Group y Mediaccions – Research Collective on Digital Media & Culture. Alinéandose con los temas de la Conferencia 4S/EASST, la sesión tiene por objetivo reflexionar acerca de las conexiones entre las artes visuales, el diseño y los estudios de ciencia y tecnología (ECT), partiendo del mismo acercamiento interdisciplinar y con especial atención a las metodologías y prácticas que tienen lugar fuera de los espacios habitualmente establecidos. Planteado como una mesa redonda y una serie de presentaciones en formato Pecha-Kucha (es decir, articulando cada presentación en base a 20 imágenes que se muestran durante 20 segundos), el encuentro tiene la voluntad de generar un espacio de conexión entre la escena creativa local y la investigación internacional por medio de la alternancia entre sesiones plenarias y mesas de trabajo, a través de las cuales se podrían generar redes de trabajo.

La sesión contará con la participación de diversos profesionales e investigadores, entre los cuales: Bani Brusadin, Fernando Domínguez Rubio, Katrina Jungnickel, Débora Lanzeni, Irene Lapuente, Joana Moll, Liliana Ovalle, Enric Senabre Hidalgo, Susanna Tesconi, Nina Wakerford y Alex Wilkie. Los temas principales de las mesas redondas serán el cuestionamiento de las infraestructuras del Arte y el Diseño, la aproximación a la materialidad y la discursividad en las Artes desde los ECT y las metodologías de investigación en Arte y Diseño.

La entrada es gratuita, pero se requiere reservar plaza con antelación en: http://symposium.uoc.edu/go/art-disseny
Contacto: art.disseny.barcelona@gmail.com
#artdissenybcn

Programa

10:00 – 10: 15 Acreditaciones

10:15 – 10:30 Bienvenida y presentación del encuentro

10:30 – 12:10 Pecha-kucha

12:10 – 12:30 Pausa

12:30 – 14:00 Debate con vermut

 

Exponen y debaten:

Bani Brusadin. Barcelona-based independent curator and researcher sailing on the troubled waters where contemporary art, networked technologies, popular cultures, and politics meet (and often times clash). Since 2004 he co-directs The Influencers, a festival about unconventional forms of art and communication held at the Center of Contemporary Culture of Barcelona. Lecturer professor at University of Barcelona. Web: theinfluencers.org/| Twitter: @the_influencers

Tim Choy. Associate Professor of Science & Technology Studies and Anthropology, University of California Davis. Research interests: ecopolitics, atmospheres, experimental. Web: sts.ucdavis.edu/humans/tkchoy

Fernando Domínguez Rubio. Assistant Professor in the Department of Communication, University of California, San Diego. His work focuses on the study of the material ecologies and infrastructures enabling contemporary cultural, aesthetic, and political forms. Web: drubio.org | Twitter: @RubioDominguez

Ignacio Farias. Assistant Professor. Munich Center for Technology in Society & Department of Architecture. Technical University of Munich. Web: iup.mcts.tum.de |

Michael Guggenheim. Reader, Goldsmiths, University of London. Director of the Center for Invention and Social Process. His research focuses on disaster, buildings, expert-lay person relationships, and inventive methods and experiments. Web:: http://www.gold.ac.uk/sociology/staff/guggenheim/

Dehlia Hannah. Curator and philosopher of science and aesthetic theory. She is a Visiting Assistant Professor of Art-Science Collaboration at Arizona State University’s School for the Future of Innovation in Society and a Guest Researcher at the University of Copenhagen. Her current research and curatorial project, A Year Without a Winter (2015-2018), enacts a collective thought experiment about a fictional scenario of climate change leading to a multi-site art exhibition. Web: www.dehliahannah.com and www.ayearwithoutawinter.org | Twitter: @dehliahannah

Katrina Jungnickel. Lecturer, Sociology Department Goldsmiths, University of London. She studies the role and importance of technologies in relation to mobility cultures, gender relations and grassroots hands-on DiY and DiT (Do-It-Together) communities. She is particularly interested in mundane everyday materials and practices; the use of found, purchased and resourcefully adapted materials and improvised methods to re-imagine relationships to technology. Web: www.katjungnickel.com | Twitter: @katjungnickel

Débora Lanzeni. Researcher at the Universitat Oberta de Catalunya. She is currently focusing on developments at the interface of Smart City and Internet-of-things, the study of digital materiality, labor and moral order. Web: http://www.mediaccions.net/debora-lanzeni/ | Twitter: @DigitalAmazonia

Irene Lapuente. Founder and director of the Mandarina Newton. She holds a deggre in Fisics and she is a dancer by hobby. Strongly believes in the strengths of transdisciplinarity, the scientific method, the design thinking and the creative processes. His motto is mixed, learn and transform. Web: www.lamandarinadenewton.com | Twitter: @mandarinanewton @ilamandarina

Joana Moll. Artist & Researcher. Lead researcher within the European conglomerate IMAGIT at HANGAR [hangar.org]. Member of the transdiciplinary research project Antiatlas des Frontières [antiatlas.net]. Co-founder of the Institute for the Advancement of Popular Automatisms [ifapa.me]. Web: http://janavirgin.com | Twitter: @joana_moll

Liliana Ovalle. Designer and researcher at the Interaction Research Studio at Goldsmiths University of London. She has specialised in the design of research artefacts under a ludic design approach. Her personal work is part of the permanent collections of the Museum of Art and Design in New York and Centre National des Arts Plastiques in France. Web: lilianaovalle.com gold.ac.uk/interaction/ | Twitter: @ovalle_liliana

Enric Senabre Hidalgo. Coordinator of the research group Dimmons.net on digital commons and collaborative economy at IN3 – Universitat Oberta de Catalunya. Web: dimmons.net | Twitter: @esenabre

Susanna Tesconi. Learning environments designer – PhD Candidate, Department of Applied Pedagogy, Universitat Autònoma de Barcelona (UAB). Web: susannatesconi.net | Twitter: @auntysue

Nina Wakeford. Reader at Goldsmiths, University of London. She has long history of collaboration with PAPR and Intel Research. She founded and continues to lead a research group (INCITE) that has conducted studies in the context of new technology development, including collaborative work with Sapient, FXPal and British Telecom, as well as leading an investigative “mission” on best practice in user-centred design for the UK government. Web: vimeo.com/visualsociology |

Alex Wilkie. Senior Lecturer. Director of Research (Design). Director of the Centre for Invention and Social Process (Sociology). Department of Design Goldsmiths, University of London. Twitter: @alexwilkie

Amanda Windle. DigiLab Fellow heading the DigiLab at London College of Communication, University of the Arts London and is sometimes a columnist for the New Statesman Tech. Twitter: @anotherwindle

 

Creative Chain

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Hace una semana, el estudio de diseño y comunicación Comando Suricato y el colectivo Entropy Factory han lanzado la plataforma Creative Chain de registro de obras, propiedad intelectual y licencias copyleft en la blockchain. Según se explica en la web del proyecto, el objetivo de Creativechain es crear un sistema descentralizado de registro y distribución de cultura libre en la red que ayude a visibilizar y financiar a las personas creadoras que trabajan con licencias copyleft. El término “cadena creativa” (creative chain) hace referencia a la relación que se establece entre dos o más creaciones artísticas y/o intelectuales cuando comparten una misma referencia o se nutren unas de otras, como por ejemplo cuando un artista se apropia de una imagen para crear una obra. Las creaciones circulan de un sitio a otro y de un contexto a otro perdiendo en muchos casos su autoría, lo cual puede generar notorios conflictos, como el que se produjo entre la pintora Joy Garnett y la fotógrafa Susan Meiselas en 2004, suscitando una breve pero intensa reacción en la Red (la disputa y sus reacciones se popularizaron con el término Joywar) o la más reciente polémica por la apropiación de las fotos de diversos usuarios de Instagram por parte del artista Richard Prince.

Esta circulación sin atribución de los contenidos en Internet no formaba parte del plan original del creador del hipertexto, Ted Nelson, quien en su Proyecto Xanadú contemplaba la posibilidad de establecer enlaces bidireccionales que permitiesen saber en todo momento de dónde proviene un contenido e incluso estudiaba la manera en que los autores podían recibir una compensación económica cada vez que se consultaban sus textos. Hoy en día, la tecnología blockchain permite registrar, trazar y visualizar en un archivo público descentralizado todas las conexiones que se generen entre cualquier creación. Empresas como Ascribe o Monegraph ya están desarrollando plataformas para emplear esta tecnología en la creación de un repositorio de contenidos (fotos, textos, obras de arte, etc.) que permita certificar en todo momento tanto la autoría del contenido como los usos que se han hecho del mismo. En el caso de Ascribe, esto se traduce por ejemplo en un modelo de negocio basado en proporcionar el servicio de registro y rastreo del uso de fotos de stock en sitios web.

Creative Chain está desarrollando una cartera virtual descentralizada donde se almacena el registro de todas tus obras y sus licencias de distribución. de manera que cada obra tiene una dirección única asociada. Cuando alguien realiza un pago a una obra se reparte un porcentaje a toda la cadena de obras que le suceden. Así, la recompensa o donación se extiende de forma automáticamente a todas la obras derivadas que han participado cediendo parte de su obra. El sistema une así al reconocimiento de autoría la remuneración económica, de forma similar a como planteaba Ted Nelson el funcionamiento de los hipervínculos, buscando así facilitar que los creadores obtengan una financiación por sus creaciones, acorde con la difusión de sus creaciones.

Aún en fase beta, el proyecto ya permite registrar obras e irá desarrollándose en los próximos meses. Creative Chain se suma así a diversas iniciativas que están aprovechando las posibilidades de la blockchain o cadena de bloques más allá de la polémica, críptica y poco conocida Bitcoin. Sumadas, estas iniciativas pueden cambiar el panorama de la distribución de contenidos en Internet y las atribuciones de autoría, además de generar nuevos modelos de financiación para los creadores. Con todo, las implicaciones y el alcance de este sistema son aún una incógnita.

 

Barcelona Design Week

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Hoy empieza la 11a edición de la Barcelona Design Week (BDW), un evento anual que une diseño, innovación y empresa. Organizado por BCD Barcelona Centro de Diseño, este evento se consolida después de una década como una de las Design Weeks más importantes del panorama internacional. La BDW 2016 se desarrolla a lo largo de 11 días (del 2 al 12 de junio) combinando actividades abiertas al público, tales como exposiciones, talleres, charlas y tours, así como otras dirigidas al público profesional y empresarial para crear oportunidades de negocio y facilitar el intercambio de conocimiento. El Disseny Hub Barcelona, sede de BCD, acogerá los actos principales de esta semana del diseño que incluye además los Open Design Studios y el programa paralelo de actividades BDW City.

En el programa de BDW 2016 cabe destacar exposiciones y eventos como la visita guiada a MM Col·lecció, dedicada al mundo de la publicidad y las artes gráficas, en Poblenou; Next Design Innovation, una muestra de seis proyectos inéditos hechos por diseñadores menores de 35 años, realizados con el apoyo del Departamento de Empresa y Conocimiento de la Generalitat de Catalunya y ELISAVA; Bulthaup con Mermelada, una presentación de la nueva colección de piezas creadas por el estudio barcelonés de diseño industrial Mermelada Estudio en bulthaup barcelona · bach 7; Una exposición dedicada al diseñador danés Poul Kjaerholm, uno de los máximos exponentes del diseño escandinavo, en el showroom de En Línea Barcelona; y la exposición Interfaces: 100 años de diseño en Simonuna revisión de los productos y diseños que nos han acompañado a lo largo de nuestra vida.

En cuanto a las conferencias, son imprescindibles la conferencia inaugural de BDW 2016, titulada ¿Y si la solución fuese el Diseño?’ Replanteando el papel del diseño en la empresa y la sociedad’, a cargo de Alice Rawsthorn, crítica de diseño en el International New York Times y frieze, el día 2 de junio; el evento ‘Design4Food’, dedicado  generar un espacio de debate y de reflexión sobre el rol del diseño en la conceptualización de productos o servicios relacionados con la gastronomía, que tendrá lugar el día 8 de junio; y la conferencia “La ciudad ligera” a cargo de Carmelo di Bartolo, diseñador industrial y cofundador del laboratorio de investigación Design Innovation, quien hablará sobre cómo el diseño puede contribuir al desarrollo de un entorno urbano sostenible.

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En el programa dedicado a profesionales, el evento central es el congreso Design is Future, organizado por BCD Barcelona Centro de Diseño y Toormix, que tendrá lugar entre el 6 y el 8 de junio con la participación de 15 destacados ponentes que analizarán el diseño desde puntos de vista específicos: la profesión, la empresa y la sociedad. En cada bloque se darán a conocer buenas prácticas y experiencias de interés de todo el mundo; ejemplos de nuevos profesionales del diseño que certifican la utilidad del diseño para dinamizar y hacer crecer a las empresas y, finalmente, cómo el diseño ayuda a mejorar la sociedad en general y la calidad de vida de las personas en concreto.

El programa de Design is Future se estructura de la siguiente manera:

Lunes 6 – Bloque Profesión: se centrará en definir la figura del diseñador del futuro, un perfil que se renueva constantemente y que cada vez adquiere un rol más estratégico dentro de las estructuras profesionales. Las ponencias de este bloque explorarán las nuevas dinámicas de formación del diseño, los nuevos conocimientos y las experiencias más innovadoras en los ámbitos de la profesión, la investigación y la emprendeduría. Contará con la participación de Chris Moody, Director creativo y Global Principal en Wolff Olins; Sam Baron, Director del área de Diseño en Fabrica; Carmen Bustos, Socia fundadora de Soulsight; Jonathan Duckworth, Artista, diseñador digital, investigador, director CiART Lab – RMIT University y Andrés Ortiz, Arquitecto, socio fundador de Bestiario.

Martes 7 – Bloque Empresa: se centrará en mostrar la importancia del diseño dentro de la estructura de las empresas como potenciador de la innovación. El objetivo de las ponencias de esta sesión será dar a conocer casos de éxito y metodologías que certifiquen la utilidad del diseño para dinamizar y hacer crecer a las empresas. Contará con la participación de Doug Powell, Director de Diseño y del programa Education & Activation en IBM Design; Laszlito Kovacs, Director creativo de WeTransfer; Luis Baldez, 3D Printing Solutions & Market Development Lead en HP; Andreas Enslin, Jefe del Centro de Diseño de Miele; Silvia Calvet, Experience Strategy & Innovation Consultant en GFT

– Bloque Sociedad: se centrará en mostrar cómo el diseño está cada vez más centrado en las personas como usuarios. A través de los casos expuestos por los ponentes de la sesión, los asistentes percibirán cómo el diseño ayuda a mejorar la sociedad en general y las ciudades en concreto a través de la innovación, haciendo más fácil la vida de las personas.  Contará con la participación de Ed Gillespie, Director creativo y cofundador de Futerra; Miquel Ballester, Responsable de Product Management e Innovación y cofundador de Fairphone; Luis Villa, Business Design Director de Fjord; Alice Holmberg, Emprenedora compromesa, House of Holmberg y Cristina Bustillo, Customer Experience Officer en el Hospital Sant Joan de Déu.

Miércoles 8 – Workshops: ‘Design is Future’ se completa con los talleres ‘Story-telling for sustainability: Putting vision and purpose back into design’ a cargo de Ed Gillespie; ‘Co-creation in the public sector – how does it work?’ con Alice Holmberg; ‘Aprende a crear Data Stories con Quadrigram’; ‘Open innovation for the elderly’ con Andreas Enslin; y ‘The real value of design’, a cargo de Luis Villa.

 

 

Adobe Spark: diseño gráfico para todos

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Adobe ha lanzado recientemente Spark, una plataforma de creación de contenidos visuales para web y móviles dirigida a pequeñas y medianas empresas que quieran gestionar independientemente su comunicación gráfica. La plataforma se compone de una aplicación web y tres apps para iOS (Spark Post, Spark Page y Spark Video) con las que el usuario puede crear y compartir imágenes, páginas web y vídeos.

Spark Post permite crear sencillos diseños con imágenes y textos pre-diseñados que pueden personalizarse y compartirse fácilmente en redes sociales. De forma similar a cómo Instagram permite aplicar una serie de filtros a las fotografías y Notegraphy facilita plantillas para crear composiciones de texto, Post combina ambas funciones con el objetivo de permitir a los usuarios crear elementos gráficos de comunicación que pueden usar para promover sus productos o servicios en las redes sociales. El programa permite también redimensionar las composiciones para adaptarlas a los formatos empleados en las principales plataformas (Facebook, Instagram, Pinterest y Twitter).

Spark Page está pensado para crear “historias en la web”, es decir sencillas páginas con texto y fotos similares a un post de un blog pero con diferentes plantillas personalizables. Los contenidos aparecen en un formato de presentación que incluye animaciones y desplazamiento de los elementos para crear una experiencia más atractiva. El documento generado puede compartirse fácilmente en las redes sociales.

Finalmente, Spark Video emplea diversas plantillas para editar un vídeo creado por el usuario al que se pueden añadir títulos, mensajes de voz y música a fin de crear un vídeo que, al igual que las otras composiciones creadas con Spark, puede compartirse en la web y en redes sociales.

Adobe claramente se dirige aquí al sector de público no profesional (en el ámbito del diseño), que no va a utilizar programas más complejos como Photoshop, InDesign, Illustrator o After Effects y busca crear contenidos fácilmente desde su smartphone, para distribuirlos en las redes sociales. En este sentido, Spark no supone una competencia para los diseñadores profesionales, pero abre una puerta para el diseño de usuario, basado en plantillas, que demuestra la necesidad de atender a aquellas pequeñas empresas y autónomos que no pueden asumir los costes de un trabajo profesional de diseño o bien prefieren la sencillez y rapidez que les da crear directamente sus contenidos visuales y difundirlos. En un momento en que la comunicación entre empresas y clientes se da a gran velocidad en las redes sociales, es notorio que aparezcan soluciones como Spark de la mano de una empresa como Adobe, lo cual indica que de forma creciente son los propios usuarios los que están ocupándose de la comunicación y el diseño gráfico de sus empresas y productos. Algo que debe tenerse en cuenta en el sector del diseño y la publicidad.

 

Smart textiles, las prendas del futuro

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La editorial Laurence King ha lanzado el libro Smart Textiles for Designers: Inventing the Future of Fabric de Rebeccah Pailes-Friedman, en el que la Profesora Asociada de Diseño Industrial en Pratt Institute (Brooklyn, NY) y fundadora de Interwoven Design Studio explora las posibilidades de los nuevos tejidos desarrollados con impresión 3D y otros innovadores procesos. Según afirma la autora, estos “tejidos inteligentes” forman parte de una revolución en la que “se produce una intersección sin fisuras entre tecnología, objetos cotidianos y el cuerpo humano.”

 

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El libro, de 192 páginas y profusamente ilustrado con 200 imágenes, presenta numerosos ejemplos de las diferentes cualidades y propiedades que se pueden integrar en los nuevos tejidos inteligentes para todo tipo de ropa y contextos de uso, desde la moda al deporte, en tratamientos paliativos y de rehabilitación o en entornos extremos, como por ejemplo en los uniformes de bomberos. La selección realizada por Pailes-Friedman se centra en las propiedades de los tejidos, facilitando así su uso como libro de referencia para diseñadores. El uso de la luz y el color, la posibilidad de transferir datos, responder a la voz o al tacto, modificar su forma, generar olores o sonidos, así como la regulación de la temperatura o el movimiento son algunas de las sorprendentes posibilidades que ofrecen estos nuevos tejidos.

 

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El volumen se completa con una serie de ejemplos de métodos de trabajo en cinco ámbitos diferentes (diseño industrial, artes plásticas, moda, arquitectura e ingeniería) y entrevistas con diferentes diseñadores y estudios, tales como: Michele Stinco, Francesca Rosella, Barbara Layne, Maggie Orth, Ying Gao, Lynsey Calder, Daan Roosegaarde, Sythesis Design + Architecture, Jason Gilette, Sabine Seymour, Johanna Bloomfield y Ted Southern.

Mes de la programación creativa en Kadenze

Kadenze, la plataforma online de formación en arte y tecnología para artistas, diseñadores e ingenieros, ha lanzado este mes de mayo una oferta centrada en la programación creativa con la participación de destacadas universidades. Mayo se convierte en el International Month of Creative Code (mes internacional de la programación creativa) por medio de una serie de cursos y eventos en colaboración con Carnegie Mellon University, National University of Singapore, UNSW Australia, Stanford University, UCLA Arts, Goldsmiths University of London y Princeton University. Estas prestigiosas instituciones aportan los conocimientos de sus docentes y también sus espacios para encuentros en los que se pondrá de relieve la importancia de la programación creativa como una herramienta que permite tanto a artistas a usar código de programación en sus proyecto como a programadores a pensar de manera creativa e innovadora. Parte esencial de la iniciativa STEAM (STEM + Arte) que tiene por objetivo introducir el arte y el diseño en la formación vinculada a la ciencia y la tecnología, la programación creativa es ya fundamental en cualquier disciplina que aplique la creatividad a las nuevas tecnologías.

Además de los cursos, Kadenze ofrecerá entrevistas con profesionales, presentaciones del trabajo de destacados artistas y proyectos vinculados a la programación creativa. Algunos de los cursos más destacados son los siguientes:

The Nature of Code
Impartido por Daniel Shiffman y Lauren McCarthy, este curso se basa en el libro del mismo título escrito por Shiffman y explora las propiedades emergentes de los sistemas naturales aplicadas al software. Por medio de estrategias y técnicas de programación centradas en la simulación de sistemas naturales, el curso acerca a los participantes a la simulación de sistemas complejos, propiedades físicas, trigonometría, fractales, auto-organización y algoritmos genéticos, entre otros. Por medio de estas simulaciones inspiradas en la naturaleza, se pueden crear innovadoras aplicaciones creativas.

 

Creative Programming for Audiovisual Art
Mick Grierson y Memo Atken centran este curso en el desarrollo de software para la creación y manipulación de sonidos e imágenes en tiempo real y de forma predeterminada. Por medio de una aproximación combinada a la producción audiovisual, los participantes explorarán las conexiones y similitudes entre el procesamiento de señales sonoras y visuales, empleando los lenguajes Javascript y Processing. Dirigido tanto a ingenieros como artistas, el curso requiere unos conocimientos previos de Processing y experiencia en la manipulación de audio y/o vídeo digital. Las aplicaciones de estos conocimientos incluyen ámbitos como las artes visuales, desarrollo de videojuegos o entornos interactivos.

 

Web Coding Fundamentals for Artists
Lonce Wyse plantea este curso como una introducción a las herramientas que permiten usar la web como espacio de creación artística. Más allá de la posibilidad de colgar imágenes y vídeos en una página web, el curso muestra el potencial creativo de la web para creaciones sonoras, físicas, interactivas y sociales. Los participantes aprenderán a crear proyectos que funcionan en los principales navegadores e incluyen animaciones con gráficos y sonido o interacción con gráficos y sonido. El curso permite por tanto a artistas sin conocimientos de programación entender el potencial del código de programación para crear todo tipo de aplicaciones en la web y posteriormente incrementar sus conocimientos con cursos más avanzados.

El listado completo de cursos y actividades puede consultarse en el blog de Kadenze.